IMAGENES

SAN LUCAS PINTADO POR EL GRECO

El Museo nacional de Arte durante el mes de septiembre del año de 2007 esta presentando una importante colección pictórica de la “Hispanic Society of America”  de arte español del periodo que comprende desde el siglo XVI hasta el siglo XX, y que nos presenta obras de importantes artistas como son: El Greco, Zuloaga, Francisco Goya, Joaquín Sorolla, Francisco Domínguez, Mariano Fortuni, Santiago Rusiñol, Núñez Lozada, Murillo, Diego Velázquez, etc.

La obra seleccionada para comentarla es el cuadro al oleo sobre tela pintado, a fines del  siglo XVI por  El Greco, que es de formato medio y  nos representa San Lucas,  como pintor llevando en su mano un pincel y no como escritor de uno de los evangelios. 

Antecedentes

Primeramente se hace una  breve semblanza de Doménikos Theotokópoulos , conocido universalmente como El Greco ("El Griego"), fue un pintor, escultor y arquitecto del Renacimiento español, de origen griego y que trabajó principalmente en España. Nació en Candía (Creta), que por entonces formaba parte de la República de Venecia, en 1541 y murió en Toledo el 7 de abril de 1614. Sus obras, junto con las de Goya, Picasso, Dalí y Velázquez constituyen lo mejor de la pintura española de todos los tiempos..

Abandonó Creta alrededor de los veinte años. Su producción de este período está vinculada a las tradiciones bizantinas, con influjos italianizantes.En  1560 llega a Venecia, desplazándose a Roma en 1570. En Venecia pudo adentrarse en el mundo del color y del espacio (Tiziano, Tintoreto) y en Roma conoció la obra de Miguel Ángel, aunque se mantuvo ligado a la expresión del color veneciana. En 1576 ya está en España, en parte atraído, como otros artistas italianos, por la obra de El Escorial y, fundamentalmente, por la promesa de importantes encargos en Toledo, donde tenía conocidos   como D. Luis de Castilla quien lo puso en contacto  con los prelados de la Catedral toledana. En Toledo desarrolló su personal manera de pintar. Manierista, pero de gran vigor expresivo, aparece también vinculado a la España de la Contrarreforma. Normalmente firmaba sus pinturas con letras  griegas con su nombre completo, Doménicos Theotokópoulos.  

 Aparte de su producción de temas religiosos, es importante su labor como retratista y como ejemplos los realizados al Cardenal Fernando de Nino y al fraile Felix Parra, y por su particular tratamiento y reinterpretación del paisaje. 

 San Lucas 

The Hispanic Society of America, nos presenta en la exposición una pintura al oleo del evangelista San Lucas, patrón de los pintores, doctores, cirujanos, solteros, carniceros, encuadernadores y notarios. Que según la leyenda,  se considera  que pintó muchos cuadros  de la Virgen María, tanto en Oriente como en Occidente y  cuyas obras se remontan a los orígenes del cristianismo (siglo I al IV d.C.), los cuales  estaban elaborados sobre soportes de madera con colores diluidos en cera, aunque también solían emplearse colores al temple, o una mezcla de ambas técnicas, lo que se conoce como “colores al temple diluidos en la cera” Estos cuadros se convirtieron en imagen de culto, dignos de veneración y, por consiguiente, en  iconos  . 

 Se sabe también que posiblemente El Greco escogió este tema ya   que muchos pintores de su ciudad natal, Candia estaban organizados en una Cofradía colocada bajo la advocación de San Lucas (Roma).

En el cuadro de San Lucas,  se aprecia el estilo dramático y expresionista del Greco, emplea  colores  estridentes, con fuertes contrastes de azul, amarillo, verde y rosa y nos descubre los ropajes que lo envuelven como si tuviesen vida propia.  Si bien la característica elongación o deformación de arriba abajo  del personaje  ha sido atribuida a su gran devoción, patentizada en que los protagonistas tienden a "elevarse" hacia Dios, otros estudiosos han postulado una teoría diferente. Esta expresa que el pintor padecía una enfermedad oftalmológica denominada astigmatismo, provocada por un defecto de la curvatura del cristalino. La primera teoría, llamada "religiosa", se apoya en cinco puntos fundamentales:

• El alargamiento longitudinal de las figuras era un recurso muy usado en el arte religioso europeo, particularmente el Gótico;
• Es una reconocida técnica para subrayar lo remoto y divino;
• Todos los maestros la utilizaban: el arte bizantino, la escuela veneciana y los manieristas italianos;
• El astigmatismo deforma las imágenes sobre un solo eje, mientras que muchas figuras de El Greco están agrandadas tanto en sentido vertical como horizontal; y
• Por último, El Greco no parece haber utilizado este recurso en todas las figuras (como hubiese sido lógico en un astigmático) sino sólo en algunas.

Estas consideraciones artísticas no son, sin embargo, capaces de invalidar la teoría llamada "médica". Esta última se apoya en las evidencias siguientes: 

• Las formas corporales de El Greco siempre muestran una ligera desviación oblicua, deformación llamada "elíptica", que es típica de los pacientes que sufren de astigmatismo oblicuo;
• El astigmatismo es una de las enfermedades más comunes. La tendencia a las formas elípticas se agudizó con la edad de El Greco, precisamente lo que sucede con los astigmáticos, cuyo defecto aumenta al envejecer;
• Cuando se fotografían los cuadros de El Greco con una lente correctora del astigmatismo, la deformación elíptica y el alargamiento de los cuerpos desaparece.
• El Greco puede haber utilizado el alargamiento expresivo y "espiritual" de sus predecesores, pero también es posible que el artista sufría un alto grado de astigmatismo que se fue agravándose con la edad

 Quizás  la explicación más factible del alargamiento de las figuras, es que la pintura de San Lucas cuando la realizó el Greco corresponde  al momento artístico que conocemos como manierismo, en el cual se utilizaban colores estridentes, una iluminación contrastante y sombras densas. El  canon de proporción de las figuras se exaltaba al alargarlas en forma triangular y por ello, el triangulo sublime constituyó un peculiar fundamento de su composición para casi todas las obras que realizó este artista. y que también era la base geométrica de muchos renacentistas.

 Como sabemos el triángulo sublime es una figura geométrica extraordinaria porque las relaciones naturales de su forma, medidas y trazos se encuentran en sección aurea, luego el triangulo sublime tiene en la base, la proporción aurea menor y en cada uno de sus lados, la proporción aurea mayor

 Por otra parte la obra tiene un sentido religioso en donde el artista pretendió expresar su visión y emoción personal ante un tema religioso y no puede considerarse con la categoría de sacro ya que no hace sentir una vinculación con realidades intramundanas y  por lo tanto no es una imagen cultual .^[] 

  Según la tradición bizantina, que atribuye a San Lucas la autoría de los primeros iconos, éstos son represente la Historia Sagrada,Biografía de San Lucas

Lucas era natural de Antioquía, por lo tanto no era judío, esto se ve cuando Pablo lo separa de los circuncidados (Col. 4, 14), además de ser un hombre más de educación griega y de profesión médico. Estaba quizás también emparentado con el diácono Nicolás "Nicolás, un prosélito de Antioquía", (Hech. 6,5). Según reza la tradición, perteneció a los setenta, esto es del grupo de seguidores de Jesús, pero según la exégesis las fechas de la escritura de sus obras no concuerdan en el tiempo. Sí sabemos que su evangelio fue dictado por la Virgen María y que los Hechos de los Apóstoles es una continuación del mismo, es el más largo y el mejor redactado por su elaboración exquisita del griego como solo una persona culta y sabia podía hacer en esa época. Lucanus se hizo cristiano mucho después y conoció a María en una visita que hizo junto a Pablo. De esto se desprende que Lucas era seguidor de Pablo, "el médico querido" (Col., 4, 14). Lucas hizo muchos viajes junto a Saulo de Tarso en su camino por la evangelización, por lo que se sabe Pablo no era un hombre sano y quizás necesitó de la ayuda de Lucas para sus viajes.. Autor del Evangelio de Lucas y de los Hechos de los Apóstoles, escritos ambos alrededor del año 70

MANUEL GUILLEN

Es difícil pintar el silencio, pero allí estaba: estaba pintado el silencio. Yo sé que en este mural hay muchas otras cosas, innumerables raíces, terrenal abundancia. Sé que hay opiniones y cantos, ideologías y encantamiento, supremas razones y piedad, reposo y movimiento.
Pablo Neruda, 1965 

Aquel otoño Neruda hacía con sus palabras un ejercicio para su espíritu, siempre atento a las maravillas del hombre. Se refería al mural que grandes maestros mexicanos habían logrado aquellos días en uno de los recintos de la Universidad de la Concepción, en Chile: Jorge González Camarena, Albino Echeverría, Javier Arévalo, Salvador Almaraz y Manuel Guillén

Manuel Guillén ha sido, a su manera, un hombre silencioso. Su vida, llena de ruidos, la ha envuelto en grandes silencios: el discreto silencio de sus conocimientos al lado de los grandes maestros y el imperdonable silencio sobre la importancia de su pintura en el muralismo y su obra pictórica en el desarrollo de la plástica mexicana.: Tuvo el privilegio, de recibir los secretos del arte de : Diego Rivera, Frida Khalo, Ignacio Rosas, Dr. Atl,  Rodríguez Lozano, María Izquierdo, Zúñiga, Agustín Lazo, Enrique Assad. 

Pintó  al lado de González Camarena en Chile,  en el Castillo de Chapultepec y en el museo de Antropología. Ha producido más de quinientas obras y 22 murales monumentales. .Manuel Guillén  no es afecto a los actos de glamour  que rodean a los virtuosos, ha  estado lejos de homenajes y reconocimientos públicos. Se  preocupa  por difundir su obra personal y comprende bien, hasta ahora, que su trabajo es una experiencia personal de apropiación colectiva.

 Su infancia, no fue precisamente un tiempo tranquilo, pues  desde chico pasó por los contrastes de ser un niño educado en un colegio religioso para luego asistir a una escuela para hijos del ejército y terminar la educación básica en las escuelas cardenistas de los convulsionados años cuarentas.,

Nació en la Huasteca potosina para ser adoptado posteriormente por la gran ciudad de México,. A los 10 años de edad comenzó a descubrir las posibilidades de un lápiz; a conocer la capacidad del óleo para reinventar el color. Con el inolvidable Ignacio Rosas su vocación quedó sellada para siempre; el estudio del maestro era guarida de intelectuales, poetas, escritores, músicos y la fauna que nunca falta: políticos y mujeres exóticas. Desde muy chico, Guillén fue introducido en el mundo de los cultivadores y creadores de las bellas artes,.

 La Esmeralda fue estancia obligada en su formación artística. no podía ser de otra forma; no podía renunciar a  estudiar junto con Pedro Coronel, Fanny Ravel, Francisco Botas, Ignacio Piña Luján, Rosa Castillo, Agustín Arellano, Rosalío Rivero, Jorge Chávez Carrillo y tantos compañeros en la aventura de construir el mundo multicolor.

Tampoco renunció a los tiempos de la convivencia con Luis Aragón, Salvador Almaraz, Enrique Revueltas, Rubén y Javier Hermosillo, Chito y Angel  Bolivar.  Aquí se apropió de las técnicas del muralismo y la acuarela para convertirlas, durante su vida, en una inseparable pasión.  Apenas sabía que el surrealismo sería la forma mejor acabada para expresar las fuerzas desatadas y nunca desterradas de su capacidad creativa.

 Ahora Guillén afirma  que su búsqueda en el surrealismo es la búsqueda de México, de su país, de una nación que se exprese a través de un ritmo pictórico y vivencial. El maestro ha cambiado varias veces de nombre artístico y de firma. Primero se hacía llamar Guillman; luego, fue conocido y firmaba simplemente como El Pato en su trabajo como ilustrador de más de cinco mil carteles para el cine nacional y extranjero. Hoy es simplemente Guillén, como en sus orígenes.

Juan Manuel Guillén, es  un pintor de seis décadas, . A lo largo de ese tiempo no sólo elaboró obras con  su capacidad creativa, sino que también  fundó escuelas y talleres: fue miembro fundador del taller de pintura “La Luciérnaga” ; de la Academia de Artes y Oficios de Toluca; de la Escuela para las Artes Plásticas de Morelos, del Instituto de las Disciplinas Plásticas; de la Academia Municipal de Texcoco, ; de la Galería de Arte y Teatro en el Distrito Federal y, desde luego, profesor de dibujo e ilustración en la Academia de San Carlos, entre otras actividades académicas.

El mercado  impone las corrientes de la pintura que adoptan artistas sin conciencia de su momento histórico, ya que no reflejan las emociones del hombre actual. Guillén no insiste en la necesidad de adoptar una personalidad colectiva que perfile un cierto nacionalismo trasnochado; más bien se preocupa por captar y comprender los ejemplos que nos deja la experiencia humana para recuperar la autenticidad de la pintura mexicana, frente a la ola de imitaciones e imposiciones. Se apasiona al afirmar que su búsqueda en el surrealismo es la de una nación que se exprese a través de un ritmo pictórico y vivencial. Ha sido protagonista de grandes momentos del cine mexicano, como ilustrador de carteles, en Poza Films y Azteca Films,  También, entre su trabajo de dibujo, destaca de manera especial su obra como cartelista de cine para  importantes empresas internacionales

 

LA ERA DE LAS DISCREPANCIAS 1968-1997

El Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA), ubicado en Ciudad Universitaria esta presentado una exposición artística  denominada “La era de las discrepancias. Arte y  cultura visual en México 1968-1997”, que es la primera revisión histórica, académica y crítica, del arte que se produjo independientemente de las corrientes dominantes de esa época en esas tres décadas. No se trata de una muestra panorámica de todas las corrientes y tendencias que emergieron sino que se seleccionaron momentos especiales en el que diferentes artistas de diferentes generaciones, horizontes culturales, y generaciones,  se plantearon transformar el sentido de producir arte La exposición constituye una narrativa discontinua, selectiva e interdisciplinaria de los diferentes momentos que como oleadas irrumpieron en esas décadas presenta los momentos básicos de experimentación artística y cultural.La muestra está ubicada en ocho espacios denominados:1.-Salon Independiente2.- Sistemas3.- Estrategias Urbanas4.- Insurgencias..5.- Identidad como Utopía6.- Intemperie  7.- Márgenes Conceptuales   8.- Mundo PánicoY en tres sub-espacios clasificados como: Expulsión del paraíso, La Globalización y Objeto anómalo

El Salón Independiente. Está inspirado en las consignas de autogestión del movimiento estudiantil de 1968, Con motivo de los Juegos Olímpicos de ese mismo año se organizó el Salón Independiente, como una asociación de artistas independientes de ligas oficiales y posteriormente esa misma exposición se presentó en  las ciudades de México, Toluca y Guadalajara. Se considera como un antecedente de las prácticas colectivas, experimentación de soportes, interactiva y efímera.La exposición nos muestra obras de gran formato principalmente de Martha Palau (1934)

Sistemas. Esta sección nos muestra el concepto de geometrismo mexicano, que es una experimentación basada en el estructuralismo francés, y la cibernética, poniendo énfasis en un método riguroso de producción, como lo realizado por Manuel Felguerez, que mediante el uso computadoras, creó múltiples diseños o como Vicente Rojo con sus oposiciones sucesivas.También se realizan en unión de   artistas de otras disciplinas como sucedió en las obras de Arnoldo Cohen con el músico Mario Lavista, Vicente Rojo con Octavio Paz y los poemas visuales de Ulises Carreón

Estrategias Urbanas. A partir de a mediados de los setentas se da el momento de los grupos como organizaciones. Esta dinámica de interrelación de los artistas entre si, fomentó el espíritu de cooperación  y fortaleció la identificación y pertenencia de los artistas como grupo.Una peculiaridad del trabajo grupal fue el carácter multidisciplinario de sus  integrantes: pintores, escultores, grabadores, escritores, fotógrafos, diseñadores, historiadores de arte, etc., que enriquecieron con sus respectivos intereses, habilidades y perspectivas de la obra grupal.En la exposición se presentaron principalmente obras de los grupos.  Poceso-Pentágono, No Grupo, Tepito Arte-Acá, Suma, Germinal, Marco, Fotógrafos independientes, Arte e Ideología, etc.

Márgenes Conceptuales. El desarrollo del arte no-objetual se relaciona con la aparición del arte conceptual u objeto filosófico, ligado en México a la búsqueda de nuevos lenguajes y de nuevas opciones políticas a partir de las lecciones de fluxus y performances de Felipe Ehremberg, Martha Helión y Ulises Carrión, los artistas conceptuales se apropiaron de estas formas intensificándose las producción de libros  con diferentes temas (Magali Lara Lourdes Grobet). Se presentan obras de Sam Hendrix y de Van Pecanins

Insurgencias. En esta sección destaca la importancia que tuvieron la fotografía documental y los nuevos medios electrónicos en la creación de un nuevo imaginario de oposición social y política y se exalto las guerrillas centroamericanas. Este movimiento cultural se fraguó en Juchitan, Oaxaca con la aparición del grupo político COCEI y la participación del pintor Francisco Toledo desde la Casa de la Cultura de esa población.

La Identidad como Utopía. En los ochentas en lugar de lamentar la existencia del llamado neomexicanísimo o de revisar la pintura historicista dominante en la ciudad de México, se inicia un nuevo movimiento que se caracteriza por una serie de discursos sobre la identidad que atraviesa tanto la estética  y la feminista, como la reivindicación poscolonial. Se incluyen posturas que desafían la “normalidad” y redefinen lo políticoResume de manera arbitraria un periodo de profundas transformaciones en las funciones del arte, donde la creación artística esta al servicio de representaciones muy personales, iconografía local como mecanismo para desvincularse de lo universal. Se presenta principalmente obra de Rubén Ortiz, Carla Ruppey, Mónica Castillo y Armando Criseto

Intemperie. El arte de los noventas creció a la intemperie, debido a la ventaja que significo la exterioridad y la desprotección.Esta sección se configuró en dos tiempos, el primero que produce una variedad de formas que conciben el objeto como una especie de anomalía cultural y social, siendo los grupos más representativos los de Temístocles44, Del Centro y Panadería. El segundo tiempo transforma las prácticas de los grupos mencionados a partir de la crisis 94-95. Se presenta la obra de obelisco rojo de Eduardo Abarola.

Mundo Pánico. La producción visual de la contracultura realizada en las décadas de los sesentas y setentas, ha comenzado a ser relevante, tal es el caso del “movimiento pánico” fundado en París en 1963 por Alejandro Jodorowsky. Sus obras fueron constantemente censuradas (La opera del orden1963). En esa época se incremento la afición por la literatura de ciencia ficción, el comic y el pensamiento Zen. La tribu pánica estaba formada por Vicente Rojo, Felipe Ehremberg, Manuel Felguerez, Allan Glass, Zalathiel Vargas, Luis Urias y Pedro Friederberg.En esta sección se presentan dibujos y obras pictóricas de Vargaz, Friederbeg, Alejandro Jodorowsky entre otros y se presentan resúmenes de las  películas de Jodorowsky como son:”El Topo”, “La Montaña Sagrada” y “Anticlímax” de Gelsen.Dentro de los subespacios ubicados en la exposición tenemos:

Expulsión del Paraíso. Resume un breve momento de transición que llevo a las críticas de la modernidad y la aparición de discursos sobre situaciones genéricas particulares a una segunda fase que cuestiona la legitimidad y el universalismo de la cultura occidental representada por EE UU y Europa.En 1986 y 1994 los artistas cuestionan el movimiento neomexicanista y se inscriben en el multiculturalismo, como intento de desprenderse de la globalización. Obras de Gerardo Suttler, Nahúm Zenil y Michael Tracy.

Globalización. A fines del siglo XX se rompe el sistema de arte internacional formado con la exclusión de los circuitos artísticos del hemisferio sur, cuyos artistas empezaron a operar con tácticas similares en sus respectivas localidades. Lo mas importante es que esta interacción rompió con la suposición de que sus obras eran parte de una cultura nacional e hicieron que lo mas local y específico pueda ser metafóricamente ”de cualquier lugar”Todo ello permitió someter a la crítica la idea de nación. Obras de Vicente Razo y Daniel Guzmán.

 Objeto Anómalo. Durante los inicios de los noventas el arte tomo distancia frente a su contexto, había una sincera incertidumbre de que era viable y artísticamente relevante en México. El resultado de este desacomodo fue la creación de objetos anómalos que rompían con la rutina cultural.

 27 de agosto de 2007

JULIO RUEDAS

JULIO RUELAS1870-1907 Fuiste viajero lúgubre del reino del espanto y con tu faz dantesca  y gesto de hastío, ibas de la lujuria sobre el macho cabrío, arrastrando la luenga  negrura de tu manto………Enrique González Martínez. 

Julio Ruelas  murió el 16 de septiembre de 1907 en París y fue sepultado en el cementerio de Montparnasse.  Al cumplirse un siglo de su fallecimiento el Museo Nacional de Arte presenta una exposición que es un breve panorama de su obra pictórica, en la que a su destreza académica, se añaden sus imágenes simbolistasLa muestra nos presenta; oleos, tintas y grabados, enfatizando en la amplia labor  realizada en la Revista Moderna, con la que colaboró desde su fundación en el año de 1898 hasta el año de su muerte, cuando disfrutaba de una beca propiciada por Justo Sierra.

Participó elaborando frisos, viñetas, capitulares e ilustraciones que interpretaban los escritos  publicados, dibujando faunos, sátiros, ninfas y en general personajes de la mitología griega.María Teresa Franco nos dice “Hay artistas que saben hacer de su obra un ejercicio pleno de imaginación, reunir en una sola propuesta estética tanto el espíritu de la época, como las pulsiones individuales y la iconografía colectiva”También  la exposición nos muestra la colección de aguas fuertes que realizó en Francia bajo la dirección de Joseph Marie Cazin

Aunque en la labor grafica de Ruelas hay evidentemente una creatividad personal también pueden apreciarse influencias de otros artistas, así tenemos que en la obra La Caridad y La Muerte se revelan ecos del grabado inglés del siglo XIX, mientras que en la obra La Esfinge Asolada por  las Moscas, nos sugiere influencias de gran grabador Constantino Escalante

Ruelas tenía su taller en la calle del Indio Triste en la Ciudad de México José Tablada nos cuenta que el taller no tenía nada de rebuscamientos decorativos, sino únicamente lo indispensable para el trabajo, un enorme caballete y en un rincón un piano atestado de música de Wagner en el que el pianista Villaseñor ejecutaba mientras Ruelas pintaba

Cabe recordar que la Revista Moderna donde Ruelas dejo plasmada su obra, fue la publicación periódica que sucedió a la Revista Azul, que no tuvo larga vida pero si importante trascendencia en la literatura mexicana.